這是一幅讓人歡欣鼓舞，神采飛揚的抽象畫！

當我們面對《花園春景》，最直覺的感受就是「眼花繚亂」— 色彩繁密、形象交疊，難以一眼看清楚名堂。然而，當視線逐漸適應，便可發現畫面的節奏感：藍色的冷靜調和了紅與粉的躁動、綠色的清亮舒緩了紫色的濃烈，最終形成一種和諧卻不失張力的視覺交響。

這一種由眼到心的感受過程啟示了：藝術並非單純的再現，而是一種「心靈風景」的投射。花園不是外在的場景，而是藝術家內心的春天：這春天既繁花似錦，又隱含鳥籠的限制；既充滿激情，又蘊含沉靜。它正如“繼春”的名號，召喚人生 — 是這麼美麗而矛盾，這麼熱烈而有限。

本人最喜刨根究底去發掘藝術家心理之來龍去脈：廖繼春青年時期赴日留學，深受野獸派（Fauvism）的影響；野獸派強調色彩的獨立性與主觀性，而不拘泥自然真實色，而讓色彩直截了當去表達內心激情。在《花園春景》中，這種野獸派精神被發展到極致：花朵不僅是紅、黃、白，已經任意轉化為絢麗的紫與藍；樹葉與草地不再是統一綠色調，而是散射出草綠、青綠、嫩綠等多重層次 — 這種色彩的「異化」，正是藝術家心靈自由的證明。

且讓視線集中焦點，注意畫面的藍色比例佔據著極大面積，藍色不只是單純背景色，而是滲入花叢與樹影，醞釀成一種空靈的氛圍：藍色象徵冷靜與遼闊，與花園的熱烈形成對比，這神奇的力量使得整體在躁動與平靜之間取得平衡。同時反映了藝術家晚年的心境：雖仍懷有創作的激情，卻已潜沉出內在的安穩與自在。

然而，畫家也不是隨意潑灑拼湊，反而透過筆觸的斷裂與線條的勾勒，暗示出形象輪廓：例如中央鳥籠的圓弧線條，雖然隱沒於色彩中，仍然構成畫面主題符號；周圍花團錦簇的形象，在色塊的拼接間若隱若現……換言之，畫家並未完全放棄具象，而是在具象與抽象之間尋求一種「模糊的秩序」。接著從形式觀察，《花園春景》並不遵循傳統的透視結構，花叢、鳥籠、草木被壓縮在同一平面上，彼此之間缺乏遠近之分，反而像馬賽克般拼貼在一起，使畫面呈現出強烈的平面性與裝飾性。

畫家獨特畫面處理，可在觀看時產生「多重視角」經驗：既可當作抽象色彩交響曲來欣賞，也可在其中捕捉到花園、鳥籠、植物的片段形象。這正是廖繼春晚年的藝術智慧 — 他已不再執著於再現形象，而是讓形象在色彩的海洋中自由漂浮，賦予觀者更多的想像空間。

總之：在台灣美術史的脈絡中，此作不僅見證西方現代主義如何在在地語境中開花結果，也展現一位藝術家在生命晚期，以繪畫回應自身的存在問題。對今日的我們而言，《花園春景》不僅是一幅花園圖像，而是一首生命春歌，一面映照心靈鏡子，一位偉大藝術家的典範。