藝術評論
首先映入眼簾，是一片藍：湛藍、紫藍、深藍，與交錯其間的米白、芥末綠、灰紫、土黃……等優雅抑鬱的色彩，顯然畫中富有低宕詩意，兼有歌頌生命的含蓄氣息。此幅題為“船”的廖繼春中壯期抽象畫，雖非極大突破異數，卻也是一生斑斕輝煌作品之中的稀罕代表作，當年未引起藝評家注目，隔了60年後今日看來，依然讓我動容心儀不已。
讓我們直接面對畫面，只見大量的藍色塊面堆疊、融合，成為視覺焦點重心。一般都說藍色代表水，也象徵著船隻所依託的自然場域；然而這裡的藍不再是自然主義的藍，而是一種經由情感強化後的「心靈藍」。與之對照的，是周邊的綠色圓斑與黃色背景，這些色彩似乎指涉陸地、植被或陽光，卻又以近乎孩童般的純真筆觸處理，讓整個畫面散發一種輕盈的童趣靈動感覺。
在此特別強調的是，廖繼春並非隨意塗抹：抽象與秩序之間，他建立了微妙的平衡。畫面左方與右方的垂直線條（好似桅杆）形成結構框架，中央的藍色水域則成為視覺重心，周邊的色彩塊面環繞其中。這種處理，讓作品在自由揮灑中仍保有某種建築感與韻律感。但進一步凝視，觀者會逐漸辨識出隱約的「船影」 — 白色三角形帆面、細長桅杆的線狀物件，以及港灣的水域感。這正是廖繼春的巧思：他並未拋棄具象，而是將「船」的形體融入抽象化的秩序裡，既保持了一種「可讀性」，同時也將視覺經驗推向自由奔放的色彩遊戲。
眾所周知，西方的抽象表現主義畫家強調的是內心的自發性與情感噴發，往往帶有強烈的存在主義的自我意識色彩。而廖繼春的抽象，卻有著不同的基調：它並非完全以「自我」為中心，而是與土地和地域性保持聯繫。這幅《船》表面上是抽象的，但背後的題材卻極具台灣性味：船隻、港灣、海洋，這些都是島嶼生活的日常符號。可以說，廖繼春透過抽象手法，有如魔術師，把台灣的地景與民俗意象轉化成一種現代繪畫語言。
廖繼春，這位早在1920年代便赴日學習，並在二戰後活躍於台灣的藝術家，在風起雲湧的過渡時代中展現了自己獨特的「中西折衷」視野。《船》(1965) 正是他藝術生涯中一個極具代表性的實驗成果。
總之：此畫既是漂泊的隱喻，也是生命的禮讚。文化象徵上，它見證了台灣美術從寫實邁向現代的關鍵時刻；因而這畫既是一艘船，也是畫家本人的靈魂之舟：它航行於傳統與現代、東方與西方、現實與夢境之間，尋找一條屬於自己的航道。而這，也正是台灣藝術在二十世紀中葉的共同命運。
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