乍看1974年廖繼春此作，蠻清晰的具象事物：山海、屋宇、船隻，顯而易見這是一幅尋常的漁港景色；然而本文將之納入「抽象畫」賞析，理由不外是畫中有大量的象徵式、簡潔化、抽離出純粹的視覺符號 — 也就是抽象畫基本的「點線面」、「精神性」的進階表現。故而，我們可將〈野柳早晨〉晉升為「心領神會」的純美學階層，納入「廖氏魔法」的領域。

首先讓我們按圖索驥，研究此畫構圖元素：〈野柳早晨〉第一步就刻意消解傳統風景畫的單點透視與穩定地平線。畫面中，海岸、船隻、岩石、建築與海水彼此交錯、重疊，自上而下鋪陳，同時又向畫面內部翻捲。這種「平面化的堆疊構圖」，使觀者無法以「遠—中—近」的方式進入畫面，而是被迫在色塊與筆觸之間游移。

我們接著看筆觸元素：〈野柳早晨〉展現出高度「書寫化」的特質。筆觸短而不碎，粗而不暴，帶有明顯的方向性與停頓感，彷彿行草書中的提、按、頓、挫。某些線條類似船隻或岩石，但隨即又被色塊吞沒，顯示物象僅是節奏的暫時停靠點。同時可發現畫布上有多層顏料交疊，某些地方甚至呈現近似乾刷的粗礫感，讓畫面產生「風化」般的時間質地。這並非技法上的炫示，而是一種對自然長時間侵蝕狀態的身體性回應。

接著再看廖繼春極具個人風格的色彩配置：畫面中大量使用湖水綠、藍紫、灰白、赭紅與亮黃，色彩彼此交疊卻不互相抵消，反而形成一種「濕潤的震盪感」。因為這裡的「早晨」並非印象派意義下的光線分析，而是一種帶著鹽分、潮氣與尚未散去夜色的呼吸狀態；白色並非純白，而是混雜灰、藍、綠的「氣候白」；藍色也非天空藍，而是被地形與水氣染濁的「感覺藍」，這時色彩不再服務於物象，而是成為時間的溫度計 — 凡是此種抒情、感性的色彩觀，都可印證廖繼春已徹底擺脫學院式的色彩邏輯，轉而以情緒、節奏與記憶為依歸。

如果說還有矛盾之處，那是〈野柳早晨〉並未完全走向純抽象，畫面中仍可辨識船隻、碼頭、海岸建築與人物剪影，但是，這些元素都被壓縮、符號化，彷彿記憶中的殘影。它們不再是「主角」，而是協助觀者定位於「海岸」這一語境中的線索。正是在這種「若有若無」之間，作品保留了詩性的曖昧空間。我們可理解為：觀者不是在看一處風景，而是在閱讀一段被時間沖刷過的視覺記憶。

在台灣現代繪畫史中，廖繼春的價值，體現在這種不喧嘩、不表態、卻持續深化繪畫本質的實踐上。〈野柳早晨〉既是風景，也是時間；既是鄉土，也是心境。它讓我們看到，一位畫家如何在晚年，將自然、記憶與形式，融為一種溫柔而堅定的存在狀態。這與廖繼春晚年繪畫中反覆出現的「不完成感」，形成高度一致的美學態度。

簡言之：廖繼春，承接了他早年自巴黎帶回的野獸派色彩解放精神，又融合了東方書寫性的節奏與氣韻，使畫面呈現出介於抽象與具象之間的「詩性中間態」。〈野柳早晨〉雖不是戲劇性的傑作，卻是一件極為耐看的成熟之作。它不以強烈形式衝擊觀者，而是以節奏、色相與空間的微妙曖昧關係，慢慢滲入觀看者的感知，最終形塑了廖氏抽象畫的基本風格。