本文是本系列專欄之最後一篇（廖繼春一生抽象畫數量有限，大抵已包括在本系列專論之中），此畫作為壓軸登場，實有其特殊理由而導致筆者鍾愛不已的原委。

因為這幅畫充分展現了廖繼春晚期畫風的成熟與特色，融合了西方現代藝術的元素與他個人對色彩的獨特見解，是其藝術生涯中一個重要的代表作。​

《靜物》是一件典型的晚期作品，充滿了歡快、明朗、充滿生命力的氣息。因為​廖繼春的藝術，從來不是對客觀世界的冷靜描摹，而是對生命熱情與美好感受的抒發。他的靜物畫雖是尋常物體，卻被賦予了強烈的生命力與主觀色彩。

本文就畫論畫，從三個維度來審思：

​1. 奔放的色彩運用：粉彩的世界
​高彩度與明度： 畫作的主調充滿了高彩度和高明度的色彩，尤其顯著的是廖繼春鍾愛的粉紅色、藍紫色、鵝黃色與翠綠色。這些色彩以大塊面、小筆觸並置的方式，創造出極強的視覺衝擊力，同時又奇妙地達到了和諧與愉悅。
​「粉紅夢幻」： 廖繼春晚期作品中常出現的粉紅色，可溯源基於他童年對臺灣廟宇建築與戲曲服飾色彩的耳濡目染，具備深厚的本土文化底蘊。在《靜物》中，粉紅色與其他亮色系的調和，賦予了畫面一種溫暖、浪漫、甚至帶有幻想的氛圍。
​藍色的主導： 畫面大面積使用藍色調（背景、桌布、陰影），這些藍色或深或淺、或紫或灰，不僅構建了空間感，更襯托出花卉、水果和器皿的鮮活亮麗，營造出一種寧靜中帶著熱情的對比效果。

2. 自由的構圖與造型
​平面化的處理： 畫作中的物體，包括花束、玻璃壺、檯面上的小碟子和水果，都大膽地給與精簡化和平面化，失去了傳統寫實繪畫的立體感。畫家更關注色塊在二維平面上的分佈與韻律，而非三維空間的深度。
​幾何與線條： 儘管造型簡化，但靜物元素仍依稀可辨。玻璃壺的輪廓被清晰的線條勾勒出來，而背景中形似窗戶的結構，則以簡單的直線分割，增加了畫面的幾何秩序感。這種簡約的造型處理，使得作品趨近於半抽象，觀者必須從色彩和形式本身去感受其情緒與生命力。
​動態平衡： 中央巨大的花束和玻璃壺佔據了畫面的視覺重心，但右側的小碟子與水果、果盤，與最右側的藍色方塊（可能是另一件器物）形成了對稱與非對稱之間的巧妙平衡，使畫面充滿生氣卻不失穩重。

​3. 奔放的筆觸與肌理
​厚塗與即興： 廖繼春的筆觸大膽、直接，常以厚塗（Impasto）的方式呈現。油彩在畫布上堆疊、交錯，產生了豐富的肌理感。這種筆觸是即興、充滿力量，反映畫家在創作時的暢快心境。
​線條的獨立性： 畫中不時出現的鉛筆或畫筆的自由線條，它們有時勾勒物體輪廓，有時則獨立於色塊之外，在畫面上自由穿梭，如同音樂的旋律線。這些線條不僅增加了畫面的動感和趣味，也強化了畫作的現代感。

最後，讓我們集中焦點於半抽象的完美體現：​這幅靜物位於具象與抽象之間，是一種「詩意的寫實」。物體的形象仍是基點，但色彩和形式卻已完全脫離了客觀的限制，成為畫家心靈的鏡像。它巧妙地保留了觀者辨識的樂趣，同時開啟了無窮無盡的色彩想像空間。

做為24篇系列討論的終結，筆者特地以此幅傑作為例，來特別強調這點：廖繼春的《靜物》（1965）是一件承載著他晚期藝術成就的代表作。廖繼春以奔放、和諧且充滿臺灣風情的色彩為基礎，透過自由的半抽象構圖與充滿力量的即興筆觸，將日常的靜物題材轉化為一場視覺的饗宴。

無庸置疑，這幅畫不僅是廖繼春個人風格成熟的標誌，也是臺灣現代美術史上，將西方現代主義與本土美學精神完美結合的典範。它所傳達的，是對生命與色彩最真摯、最熱烈的謳歌。

一場名為：「虹霓色彩樂詩」–廖繼春藝術世界，將於今年2/7～5/10 在國立台灣美術館盛大展覽。這可說是國內公立美術館規模最大的廖繼春傑作大展。本人於此謹以系列24篇廖老師抽象畫賞析文，向恩師致敬，並呼籲持續閱讀本系列的藝友網友，把握千載難逢機會，前往觀賞。閱讀文字之餘再佐以原作為證，方可登入抽象畫的燦爛之堂奧，親炙廖繼春大師的輝煌偉大一生。